OPETH – SÃO PAULO (SP)

Redacao RC
09/11/2026

6 de novembro de 2026 – Espaço Unimed

Por Thiago Rahal Mauro

Fotos: Roberto Sant’Anna

O Opeth retornou ao Brasil para a etapa latino-americana da turnê de The Last Will and Testament, seu 14º álbum de estúdio, lançado em 2024. Depois de passar por Curitiba, a banda sueca desembarcou em São Paulo para uma apresentação no Espaço Unimed, na noite de sexta-feira, 6 de novembro. Com um repertório que percorreu diferentes momentos de sua trajetória, o grupo mostrou por que continua ocupando um lugar tão particular dentro do metal progressivo, transitando entre a brutalidade do death metal, a melancolia do rock progressivo e passagens de delicadeza quase intimista.

Formado em Estocolmo em 1990, o Opeth construiu uma identidade musical marcada pela liberdade criativa de seu vocalista, guitarrista e principal compositor, Mikael Åkerfeldt. Desde seus primeiros álbuns, como Orchid (1995) e Morningrise (1996), a banda demonstrava interesse em explorar contrastes, combinando guitarras acústicas, vocais guturais e composições extensas. Essa abordagem ganhou maior profundidade em trabalhos como My Arms, Your Hearse (1998), Still Life (1999) e, principalmente, Blackwater Park (2001), considerado um dos marcos de sua discografia.

Os lançamentos de Deliverance (2002) e Damnation (2003), gravados durante o mesmo período, evidenciaram duas faces distintas do grupo: a primeira, mais pesada e agressiva; a segunda, contemplativa e melancólica. Anos depois, a partir de Heritage (2011), Åkerfeldt abandonou os vocais guturais e mergulhou de vez nas influências do rock progressivo dos anos 70. Foi uma transformação que dividiu opiniões, mas ampliou consideravelmente as possibilidades musicais da banda.

Em The Last Will and Testament, lançado em 2024, o Opeth voltou a incorporar os guturais às composições, sem abrir mão da sofisticação desenvolvida ao longo dos discos anteriores. Conceitual, o álbum apresenta uma narrativa ambientada após a I Guerra Mundial, centrada na leitura do testamento de um patriarca rico e conservador. À medida que o documento é revelado, segredos familiares vêm à tona, expondo conflitos envolvendo herança, parentesco e identidade. Musicalmente, o trabalho reúne mudanças abruptas de andamento, arranjos intrincados e uma atmosfera permanentemente inquietante.

A apresentação começou pontualmente às 21h30 e se estendeu por duas horas, conduzindo o público por diferentes fases da discografia. A formação, composta por Åkerfeldt (vocal e guitarra), Fredrik Åkesson (guitarra), Martín Méndez (baixo), Joakim Svalberg (teclados) e Waltteri Väyrynen (bateria), demonstrou a precisão necessária para executar um repertório que exige muito mais do que técnica. Afinal, o Opeth é, acima de tudo, uma banda de atmosferas e climas. Suas músicas não se limitam à sucessão de riffs ou demonstrações de virtuosismo: elas criam ambientes, desenvolvem tensões e conduzem o ouvinte por mudanças emocionais que podem acontecer diversas vezes dentro de uma mesma composição.

Antes da entrada dos músicos, o sistema de som reproduziu Seven Bowls, do Aphrodite’s Child, preparando o terreno para §1, faixa de abertura do álbum mais recente. A composição apresentou de imediato uma das características centrais do Opeth contemporâneo: a convivência entre passagens agressivas, vocais guturais, melodias delicadas e mudanças inesperadas de direção. A alternância entre os registros vocais de Åkerfeldt também deixou evidente o retorno de uma característica que esteve ausente dos lançamentos de estúdio da banda por mais de uma década. O público foi ao delírio logo de cara e entrou no clima do show perfeitamente.

Na sequência, Hjärtat Vet Vad Handen Gör, de In Cauda Venenum (2019), trouxe uma faceta mais ligada ao rock progressivo, com riffs marcantes e um trabalho instrumental que valorizou a interação entre guitarras, baixo, bateria e teclados. A composição serviu para mostrar como os diferentes períodos da banda podem coexistir dentro de uma mesma apresentação.

Godhead’s Lament, de Still Life (1999), levou o repertório de volta à fase mais ligada ao death metal progressivo. Com quase dez minutos de duração em sua versão original, a música é um exemplo da habilidade do grupo em alternar agressividade e melodia sem comprometer a unidade da composição. Os vocais guturais, as guitarras entrelaçadas e os momentos mais contemplativos formam uma estrutura que ganha força justamente pelo contraste.

Entre uma música e outra, enquanto ajustava a afinação de sua guitarra, Åkerfeldt aproveitava para conversar com o público. E foi nesses intervalos que apareceu uma faceta bastante diferente daquela sugerida pela atmosfera sombria das composições. Dono de um humor ácido, irônico e frequentemente escatológico, o músico transformou os momentos de preparação dos instrumentos em pequenas apresentações de comédia, conduzidas com uma naturalidade que contrastava com a seriedade de sua música.

Em uma das intervenções mais engraçadas da noite, resolveu compartilhar uma experiência bastante constrangedora vivida durante uma viagem de avião. “Querem ouvir uma história verdadeira sobre uma vez em que eu caguei nas calças? Acontece com todo mundo“, disse, antes de contar que o incidente havia acontecido pouco antes de embarcar em um voo saindo de Chicago. “E o pior é que eu ainda tinha um viagem de 13 horas pela frente. Sem cueca“, completou.

Para tornar a descrição ainda mais desagradavelmente divertida, revelou que, ao chegar a Amsterdã, sua bunda estava “parecendo a bunda de um babuíno“. Consciente do nível da conversa, o vocalista ainda brincou: “Desculpem por contar essa história, mas prometo que vou amadurecendo conforme o show avança“. E arrematou com uma observação que resumiu perfeitamente o contraste entre sua personalidade e a imagem da banda: “Se vocês nunca viram o Opeth ao vivo, talvez achem que somos uma banda sofisticada. Não somos.”

Esse humor autodepreciativo, quase sempre apresentado com expressão impassível e comentários aparentemente improvisados, criou uma relação de proximidade com a plateia. Enquanto as composições exploravam temas como morte, culpa, isolamento e conflitos familiares, o homem responsável por boa parte delas parecia particularmente interessado em falar sobre situações embaraçosas e fazer piadas com a própria banda.

Na sequência, §7 trouxe novamente o público para o universo de The Last Will and Testament. Antes de apresentá-la, Åkerfeldt comentou que já não podia chamar o trabalho de álbum novo, porque ele não era tão recente assim. Também explicou que a execução contaria com a participação do técnico de bateria do grupo, responsável por alguns elementos adicionais de percussão. A justificativa veio acompanhada de outra observação bem-humorada: “Porque Waltteri só tem dois braços.”

O vocalista aproveitou para mencionar a participação de Ian Anderson, do Jethro Tull, cuja voz aparece em determinados momentos da faixa. Esclareceu, porém, que o músico não estava presente naquela noite e, em mais uma brincadeira, insinuou que não tinha dinheiro para bancar sua presença na turnê. Musicalmente, §7 revelou a complexidade da fase atual do Opeth. Suas mudanças repentinas, a alternância de timbres e o caráter teatral dos arranjos exigem execução precisa, especialmente nos trechos em que diferentes elementos instrumentais disputam espaço. É uma composição que sintetiza a capacidade da banda de reunir décadas de experimentação em uma linguagem própria.

The Devil’s Orchard, de Heritage (2011), marcou outra mudança de atmosfera. A música representa uma fase em que o grupo se aproximou mais diretamente do rock progressivo dos anos 70, com estruturas menos convencionais, linhas de baixo expressivas e maior protagonismo dos teclados. A presença de Joakim Svalberg foi especialmente importante nesse contexto, acrescentando texturas que ajudam a definir o caráter da composição.

Logo depois, veio Windowpane, um dos momentos mais melancólicos do repertório. Presente em Damnation (2003), a faixa mostrou o lado mais delicado do Opeth, construído a partir de guitarras limpas, melodias introspectivas e uma interpretação vocal contida. É uma música que dispensa qualquer demonstração de agressividade para estabelecer uma atmosfera profundamente sombria. A introdução, imediatamente reconhecível, deu espaço a um dos momentos em que a capacidade do grupo de trabalhar com silêncios, sustentação de notas e pequenas variações de intensidade ficou mais evidente. Se em outras composições a tensão vem do peso das guitarras, nesta ela nasce justamente da contenção.

Em outra conversa com o público, Åkerfeldt comentou sobre o passado da banda e relembrou Damnation, mantendo o tom descontraído que acompanhou toda a apresentação. Era curioso observar como o vocalista conseguia passar de uma piada aparentemente sem sentido para uma composição carregada de melancolia, sem que essa mudança parecesse artificial.

A tranquilidade, porém, não durou muito. The Grand Conjuration, de Ghost Reveries (2005), recuperou o peso e a atmosfera ameaçadora do grupo. Com mais de dez minutos em sua versão de estúdio, a composição desenvolve uma tensão crescente a partir de riffs repetitivos, mudanças de andamento e uma bateria que sustenta boa parte de sua força.

Em mais um dos momentos de conversa com a plateia, Åkerfeldt aproveitou para lembrar que o Opeth mantém uma ligação especial com o Brasil desde os primeiros anos de sua trajetória. O motivo é Anders Nordin, primeiro baterista do grupo, que nasceu em território brasileiro e foi adotado ainda criança por uma família sueca. Responsável pelas gravações de Orchid (1995) e Morningrise (1996), Nordin fez parte da formação que ajudou a estabelecer as bases musicais da banda. Ao recordar o antigo companheiro, Åkerfeldt falou dele com carinho, descrevendo-o como uma grande pessoa. Foi uma lembrança breve, mas que acrescentou um significado especial à apresentação em São Paulo, reforçando uma conexão com o país que vai além das visitas e da receptividade dos fãs.

Demon of the Fall, de My Arms, Your Hearse (1998), manteve a intensidade e trouxe de volta uma das fases mais agressivas da discografia. A composição apresenta riffs cortantes, vocais extremos e uma passagem melódica final que evidencia a maneira particular como o Opeth trabalha os contrastes. A violência instrumental não aparece como um fim em si mesma, mas como parte de uma construção dramática.

Com §3, o repertório retornou mais uma vez ao álbum de 2024. A faixa concentra em pouco mais de cinco minutos uma sucessão de mudanças rítmicas e vocais, demonstrando como a banda continua interessada em desafiar estruturas convencionais. Sua execução também reforçou a importância do entrosamento entre os músicos, especialmente nas transições em que uma passagem aparentemente estável dá lugar a outra completamente diferente.

The Drapery Falls, de Blackwater Park (2001), foi outro destaque da noite. A composição reúne alguns dos elementos mais característicos do Opeth: introdução melancólica, guitarras limpas, melodias marcantes e explosões de peso que surgem de maneira gradual. Sua duração, próxima dos onze minutos em estúdio, permite que os temas musicais sejam desenvolvidos e retomados, criando uma sensação de continuidade mesmo diante das mudanças de intensidade.

O encerramento estendido com solo de guitarra acrescentou outro elemento à apresentação da faixa. Mais do que uma demonstração técnica, a música exemplificou a maneira como o grupo consegue desenvolver uma atmosfera por vários minutos sem perder sua identidade. O diálogo entre as guitarras de Åkerfeldt e Åkesson foi essencial para preservar essa profundidade, alternando linhas melódicas e passagens mais densas.

Hex Omega, de Watershed (2008), encerrou a parte principal do show. A composição reuniu novamente momentos de contenção e peso, com uma atmosfera sombria que se desenvolve a partir de variações de dinâmica. Sua escolha para fechar a primeira parte do show foi coerente com a proposta de um repertório marcado por contrastes e mudanças de clima.

Para o bis, o Opeth reservou uma surpresa que, segundo Åkerfeldt, já se tornou uma espécie de tradição da banda: tocar You Suffer, clássico do Napalm Death conhecido por sua duração de pouco mais de um segundo. A escolha foi particularmente engraçada em um show de uma banda famosa por composições que frequentemente ultrapassam os dez minutos. Depois de tantas estruturas complexas, mudanças de andamento e longas passagens instrumentais, o público recebeu uma das músicas mais curtas da história do metal. A brincadeira foi repetida três vezes, sendo que, em uma delas, a própria plateia assumiu os vocais. O momento também serviu para a apresentação dos integrantes, mantendo o clima descontraído que marcou as conversas entre Åkerfeldt e os fãs. Era mais uma demonstração de que, apesar da complexidade musical, o Opeth não leva sua própria imagem tão a sério quanto suas composições poderiam sugerir.

O encerramento definitivo ficou por conta de Deliverance, faixa-título do álbum de 2002 e um dos grandes clássicos do repertório. Com quase quatorze minutos de duração, a música reúne boa parte dos elementos que definem a identidade do grupo: riffs pesados, vocais guturais, passagens melódicas e mudanças de andamento que exigem atenção constante. Seu trecho final, construído sobre um padrão rítmico repetitivo e hipnótico, é um dos momentos mais reconhecíveis da discografia do Opeth. A insistência do riff, combinada aos acentos da bateria, produz uma tensão crescente que transforma a repetição em um recurso de enorme impacto. É uma conclusão que depende tanto da força quanto da precisão dos músicos, e que encerrou de maneira apropriada uma apresentação dedicada a explorar diferentes possibilidades de uma mesma linguagem musical.

Ao longo de duas horas, o Opeth percorreu quase três décadas de gravações, aproximando composições de períodos bastante distintos sem que o repertório parecesse fragmentado. A agressividade de Demon of the Fall, a melancolia de Windowpane, as estruturas progressivas de The Devil’s Orchard e a inquietação das faixas de The Last Will and Testament mostraram que as mudanças de direção promovidas por Åkerfeldt fazem parte de um mesmo processo criativo.

Mais do que uma banda de metal progressivo, o Opeth trabalha com sensações. Suas músicas criam espaços de tensão, introspecção, tristeza e violência, muitas vezes dentro de uma única composição. O peso não depende apenas da distorção, assim como a delicadeza não significa necessariamente tranquilidade. É justamente nessa capacidade de construir atmosferas e manipular expectativas que reside uma das maiores qualidades do grupo. O contraste entre a seriedade das composições e o humor quase absurdo de Åkerfeldt também deu uma personalidade particular à noite. Entre histórias escatológicas, comentários sarcásticos e observações sobre os próprios músicos, o vocalista deixou claro que a sofisticação musical não precisa vir acompanhada de solenidade.

No fim, a apresentação em São Paulo mostrou uma banda confortável com sua trajetória, capaz de revisitar diferentes fases sem transformar o passado em obrigação. O Opeth continua encontrando novas maneiras de explorar suas próprias contradições, equilibrando brutalidade e beleza, complexidade e emoção. E, como o próprio Åkerfeldt fez questão de demonstrar, tudo isso pode acontecer sem que ninguém precise se levar tão a sério.